La realeza y el poder feminista

"La Favorita" es bien interesante, aunque es la primera película que veo de su director, el griego Yorgos Lanthimos, se nota su mano en esta particular versión de un momento en el reinado de Ana, la última de la dinastía Estuardo, a principios del siglo XVIII:

Ciclotímica, depresiva y caprichosa, como buena reina, hace de sus gustos sexuales un triángulo pasional, donde mientras una de sus chicas busca el manejo del poder, la otra solo quiere pasarla bien, aunque a cualquier costo.

Mientras vamos conociendo las locuras de Ana (Olivia Colman), y sus embarazos perdidos, descubrimos un vinculo simpático, luego rivalidad, entre Sarah  (Rachel Weisz)y Abigail (Emma Stone), que arrastran su conflicto al mundo Inglés y su frágil relación con Francia, guerra de por medio. La película corre y va abriendo capas, destapando actitudes e intrigas, donde solo los 17 conejos de la reina pueden vivir indiferentes.

Es curioso, hay guerra y poder, pero todo gira en base a estas tres mujeres, donde el rol de los hombres es satelital y de dudosa capacidad intelectual. Toscos, sexuales y literales, ese es el lugar que le dejó al mundo masculino.

Sin filtros en sus personajes, está filmada de forma muy particular, angulaciones atípicas, paneos de exactos noventa grados, y mucho "ojo de pez", desde el mismísimo guión todo hace la "La Favorita" una propuesta distinta y digna de ver. Háganlo.

La oscuridad del poder, en uno de sus mejores exponentes.

No es una biopic, tampoco un documental, el hecho es que Adam McKay, su director, con origen en el mundo de la comedia, nos regala una visión crítica  y contundente sobre uno se esos típicos personajes que nos suele regalar el mundo de la política.

Hablamos de  “El Vicepresidente” y de Dick Cheney, que Christian Bale en otra notable interpretación, nos presenta a este oscuro político capaz de manejar los destinos del mundo en un lugar reservado para los que habitualmente no toman decisiones.

Lo interesante es que el Cheney del mandato de George W. Bush es un animal político, como si hubiera nacido para eso, pero McKay, casi disfrutándolo, nos muestra que en sus comienzos se trataba de un borrachín peleador. Así, sin rumbo fijo, naufragó hasta casi perder su joven matrimonio y ante la amenaza de su mujer, se acomodó en un programa de becas de la casa blanca que bastante rédito le dio.

Amy Adams, como la señora Cheney y Steve Carell, como Ronald Rumsfeld, su mentor, sostienen con gran nivel una historia que atrapa, donde el poder es todo. Es para destacar la mirada crítica, brutal y casi despectiva de McKay, quien la dirigió y también la escribió, sino el hecho que lo hizo sin lograr entrevistar al personaje en cuestión.

En síntesis, es una película hecha por demócratas, sobre un Republicano bastante repudiable, pero es honesta y está muy bien contada.

“Quiero agradecer al diablo por inspirarme al interpretar este papel”, dijo Christian Bale al recibir el Globo de Oro a mejor interpretación. Al menos va quedando claro que el espíritu crítico no era solo del director.

Son varios los presidentes que han tenido su momento de gloria en el cine. “Lincoln” (2012) de Steven Spielberg, “JFK” (1991) y “Nixon” (1995) de Oliver Stone, “Invictus” (2009) de Clint Eastwood sobre Nelson Mandela, hoy le tocó el turno a un Vice, y no salió bien parado, esperemos que si hay un próximo con peli propia tenga mejor suerte.

Spike Lee y su Black Power

40 acres y una mula se llama la productora que fundó Spike Lee en los años 70; 40 acres y una mula fué el  primer intento compensatorio (que no se termino de cumplir) del gobierno Estadounidense a los esclavos negros liberados en 1865, luego de la guerra de secesión.

Cualquiera que conozca el cine de Spike Lee sabe que ha hecho honor al nombre de su productora, tanto por la temática de sus pelis, como por su calidad de trabajos.

"Haz lo correcto" (1989), "Jungle Fever" (1991), "Malcolm X" (1992), "He Got Game" (1998), son algunos de sus titulos y mis preferidos; buenas historias, medulares, del mundo negro, pero que lo trascienden, en ese lugar sumaria a "Infiltrado del KKKlan".

Basada en una historia real, donde un policía de color, el primero en Colorado Springs, decide investigar a la comunidad local del KKKlan, enviando a un compañero blanco, pero Judío! Algo que para los supremacistas blancos y neonazis tambien es motivo de violencia.
Con Alec Baldwin, quien suele parodiar a Donald Trump, como agitador social, y la comunidad negra en su efervecencia de los 70, buscando sus espacios, Lee armó esta comedia, bien dramática, con una estética que referencia a esos años y sus peinados afro.

Si te gustan los policiales, con toques de amor, thriller, cine social y humor, no deberias dejarla pasar.

Mucho más que una película de Astronautas.

Damien Chazelle tiene solo 33 años y ya cuenta con 3 trabajos de esos que se podrían considerar consagratorios. Para los que nos gusta el cine que va más allá el entretenimiento, lo disfrutamos en “Whiplash” (2014), luego en “La La Land” (2016) y ahora nos da una nueva oportunidad con “El primer hombre en la luna”. En las dos primeras mencionadas, además escribió los guiones originales, en esta última, más allá de darle su toque personal, dejó la escritura en manos James R. Hansen, el autor del libro “La vida de Neil Armstrong”, porque de eso se trata la peli, sobre que hay detrás del primer hombre que pisó la luna.

Y nos encontramos con un film de gran producción, con mucho de biopic, pero intimista. La historia bucea el mundo interno del astronauta mientras nos cuenta todo el proceso y proyectos que tuvo la NASA, focalizados entre 1961 y 1969, hasta llegar a, quizás, el día más memorable del siglo pasado.

Como en muchas otras grandes producciones, todos sabemos como termina la historia, pero el talento está en mostrarnos ese camino, como son esos protagonistas, que les pasa, a ellos y al mundo que los rodea. Y en este caso el contrapunto se da entre la poderosa NASA y el pequeño y cálido mundo de la familia Armstrong.

La carrera espacial entre Rusia y Estados Unidos, los cientos de millones de dólares y vidas consumidas, frente al proceso de un grupo de hombres con sueños de conquista, y de hacer historia.

El mundo espacial tiene muchas y notables películas, esta no es una más, Damien Chazelle sabía como hacerlo.

Cuando se usa el poder de la industria para hacer, muy buenas, películas personales.

Se puede hablar mucho de ROMA, mucho y bien, pero antes de verla, hay algo a tener muy presente, se trata más de un retazo de vida que de un relato volcado al entretenimiento.

Se trata de la vida misma, contada con la intención de vivir los tiempos reales y sentir esos momentos únicos, que pueden ser tan vulgares y cotidianos como profundos.

Alfonso Cuaron, a esta altura de su carrera, es un hombre de Hollywood, lo han nominado a los Oscars por los guiones de “Y tu mamá también” (2002) y “Niños del Hombre” (2006), también ha ganado el de mejor director en 2014 por “Gravedad”, siempre, y mas allá de las temáticas, con personajes con preguntas que trascienden al propio relato.

Aquí fue mucho mas lejos, con notable sensibilidad nos muestra un tiempo en la historia de Cleo, la empleada doméstica de una familia acomodada en el DF Mexicano durante los años 70. Filmada en un blanco y negro que la hace mas histórica y sensible, alternando lo social y lo particular, con una recreación de época impecable, aunque lo que la hace única es la veracidad de los momentos.

Una sociedad y una familia con crisis, donde queda poco lugar para las propias de Cleo, pero el director lo sabe, y las calza de modo tal que nos llegan bien profundo.

Se llama ROMA por el barrio donde transcurre la historia, Roma es amor escrito al revés, y este es un notable film de amores y desamores. El de novios y matrimonios, el de amigos, y el de esos cuatro chicos con su nana, cuidadora y sostén emocional.

Alfonso Cuaron, gracias por convencer a un gigante como Netflix de hacer una peli personal, porque como solian decir en mis años de estudio de Psicolofía Social, “no hay nada mas profundo que lo cotidiano”.

Cuando Brandoni y Francella le ponen su sello a una buena historia, tenes que ir.

El trío Duprat, Cohn, Duprat (Gastón Duprat, Mariano Cohn, Andrés Duprat) es bien prolífico, tanto en calidad como en cantidad, es que “Mi Obra Maestra”, su quinta película, no solo entretiene, sino que mantiene el muy buen estándar de calidad al que nos tienen acostumbrados.

Viniendo de su mayor éxito de taquilla con “El Ciudadano Ilustre” (2016), aquí mantuvieron la vara alta y quizás hasta aspirando a más, con la dupla Brandoni Francella y una química de alto vuelo, mas esa visión crítica en tono de comedia que se ha vuelto parte de su ADN.

Con un pequeño cambio de roles, ya que históricamente codirigían Gastón y Mariano, esta vez Mariano se sentó en el sillón de productor y dejó a Gastón en la dirección. El guion, con sus múltiples vueltas de tuerca, al igual que en “El Hombre de al lado” (2009), uno de sus trabajos más logrados, siempre a cargo de Andrés, conocedor como pocos de la temática en cuestión, la pintura y el entorno que la rodea, ya que se trata del actual Director del Museo Nacional de Bellas Artes.

El arte y su mundo creativo parecen ser un espacio de confort para el trío, mas precisamente la actitud del público frente al producto artístico. Ciertos códigos burgueses, sus estéticas y modas, mas la “sobrevaloración” del producto final, todo bajo un tono comedioso que en cada una de sus pelis fue ganando en intensidad narrativa.

Un pintor intratable y el, amigo, galerista que lo representa, la vanidad, la codicia, los valores y sus convicciones, el arte como negocio y hasta la muerte, son parte vital de un film que, te hace pasar un buen rato. Es que  cuando se trata de  caminos espinosos e incomodos, el trío Duprat Cohn Duprat sabe como manejarse sin necesidad de tocar el freno.

Wes Anderson siempre tiene una nueva receta para sorprender.

El cine de autor (es cuando un director tiene un sello particular en todas sus pelis) puede ser muy interesante, pero también corre el riesgo de volverse repetitivo y falto de interes tanto para el publico general como para sus seguidores.

Wes Anderson pertenece a esa raza tan especial de directores, donde también podemos encontrar nombres y estilos tan disimiles como los de Woody Allen, Tony Scott, Brian De Palma, Stanley Kubrick y mucho talentosos mas, el tema es que su estilo está lejos de parecerse a cualquier otro y es dificil definir en pocas palabras la calidad de su obra.

Con picos muy altos como los de "Los Tenenbaums"(2001), "Vida Acuatica"(2004), "Viaje a Darjeeling"(2007) y "El gran Hotel Budapest"(2014), mi favorita, toda su filmografia tiene una calidad visual única y una visión notablemente profunda de sus personajes.

Como es de imaginar, lo que dirige también lo escribe, en varios casos con la colaboración de sus actores amigos, como en este caso Jason Schwartzman, notable comediante que también participó en el guón de Darjeeling.

El caso es que en "Isla de Perros" el tipo rompió el molde con una pelicula de animación cuadro a cuadro stop motion (utilizando muñecos, moviendolos milimetricamente y haciendo una toma por cada movimiento), como si la historia no fuera de por si original, le agregó esta técnica artesanal (la original y antigua) que a mi criterio carga a la pelicula de una sensibilidad especial.

El argumento? En la ciudad oriental de Kobayashi, el intendente, descendiente de una familia que odia a los perros y trató de exterminarlos, genera un decreto apoyado en una enfermedad inducida, que obliga a todos los canes a vivir en una isla de basura, comiendo deshechos... hasta que un valiente niño decide ir a rescatar a su mejor amigo "Spot".

Una maravilla por donde se la mire, con el lujo de tener las voces perrunas de Bryan Cranston, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, mas participaciones de Frances McDormand y la mismisima Yoko Ono. Ideal para compartir en familia, de seguro una de las diez mejores peliculas de este año... aún tengo que buscar a las otras nueve.

Armando Bo, animal de cine.

Armandito Bo (el diminutivo es solo para diferenciarlo de su abuelo) es, mas allá de un tipo con talento e inquietudes, un gran laburante. Quizás ese -y el hacerlo dentro del mundo del cine- sea el elemento común que se ha dado en las tres generaciones de Bo. Armando abuelo dejando una huella imborrable (y para muchos cultural) con todas sus pelis protagonizadas por la Coca Sarli. Su papá, Victor, ha hecho de todo incluido filmar con su padre, pero si nos entregamos al recuerdo mas saliente, el Agente Delfín en la saga de los Super Agentes, ídolos de mi infancia, es difícil de olvidar.


Bueno, Armando Nieto creció mamando todo eso del mundo del celuloide, y a mi entender elevó la vara tanto en el plano cuali como cuantitativo. No solo se propuso trabajar en producciones de calidad (algo casi previsible sabiendo que se desarrolló en el mundo publicitario), sino que se dedicó al origen y desarrollo de las historias, haciendo guiones junto a su primo Nicolas Giacobone.

Tres guiones, uno de ellos para "Birdman" (2014), dirigida por Alejandro Gonzalez Iñárritu y ganadora del Oscar al mejor guión... y los otros dos para películas propias, "El último Elvis" (2012) y "Animal", nuestra obra en cuestión. Los mundos y  personajes tratados fueron bien diferentes, pero hay una palabra que me viene a la cabeza cuando pienso en las tres... ... existencialismo.

Porque estoy aqui? Que debo hacer? Yo soy asi! Necesito vivir!
Porque me está pasando esto? Son algunas de las muchas cuestiones alrededor de sus protagonistas, que  Armando y Nicolas nos muestran, quizás descubriendo o desnudando aquellos lugares oscuros (a veces me gusta llamarlos miserias) que son tan propios y naturales como incómodos o incorrectos socialmente.

Desde hace un tiempo trato de separar mis gustos a la hora de analizar si una peli me parece buena o no. Y me pasa seguido que algo no me llega a entretener y sin embargo lo considero bueno, siento que "Animal" es una buena peli, quizás muy buena, por lo que propone, por como lo trata, hasta por la elección del marco Marplatense para la historia... como contrapunto, a mi gusto la hubiera preferido con mas ritmo, modificando situaciones puntuales y con algunos de sus personajes en otro tono... pero cuando salí del cine me quedó la sensación que el director buscó ese resultado final... y la búsqueda me gustó casi mas que la película.

Dificil permanecer indiferente viendo "Animal" y frente al cine de este animal con gran presente y mayor futuro, Armando Bo.

Volver al Futuro con Spielberg en modo Ready Player One

Una discusión típica con amigos en relación a algunas películas, es sobre si determinada escena fué copiada o robada de otra peli anterior, o por el contrario, fué recreada rindiéndole una suerte de homenaje al film (o al director) de la escena original.

Por ejemplo, cuando uno ve la secuencia de las escaleras y el cochecito con el bebé en “Los Intocables” (1987, Brian de Palma) queda a las claras que se trata de una recreación de la parte de la Escalera de Odessa en “El Acorazado Potemkin” (1925 Sergéi Eisenstein). También pasa con los particulares títulos de "Star Wars" (1977, George Lucas) emulando a los de “Flash Gordon” de 1940 (F. Beebe, R, Taylor ) o las múltiples referencias de “La La Land” (2017, Damien Chazelle) a “Cantando bajo la lluvia” (1952, Gene Kelly, S. Donen).

Porque hablamos de esto? Porque la película en cuestión, “Ready Player One”, dirigida por Steven Spielberg, es un muestrario enorme de personajes y escenas de los años 80. Podríamos decir que Spielberg hizo una película sobre el futuro y realidad virtual, llenándola del cine del pasado, cuya década fué marcada a fuego por él y varios de sus pares amigos.

Antes de meternos en "Ready Player..." esta bueno recordar los prolificos años 80, donde el cine Hollywoodense de entretenimiento hizo maravillas con un grupo de directores, en el que creo Steven fue referencia y punta de lanza. Robert Zemeckis con sus “Volver al futuro”, Joe Dante y lass “Grenlims”, John Landis con “The Blues Brothers” y “El hombre lobo Americano”, son solo algunos ejemplos, a lo que podemos sumar “ET” y las “Indiana Jones” dirigidas por el propio Spielberg, mas alla de haber producido otras joyas de la época como “Roger Rabbit” y “Poltergeist”.

Bueno, todo ese espíritu está en “Ready Player One”, pero con la onda actual, o sea divertida para los teens y jóvenes de hoy y también para los de los años 80 y 90. Como suele pasar en cine (y es para analizar en otro post), vemos un mundo futurista duro pero cargado de tecnología donde la realidad virtual es el escape a una vida mejor (no suena nada raro) y una corporación domina las miserias y posibilidades de la comunidad.

Y ahí aparece el mundo ochentoso, tanto en la música como el la temática de este mundo futuro donde los jóvenes se rebelan, pero también en forma notable (aunque algunas de ellas muy pequeñas) con muchas presencias de la cultura Pop, como Fredy Krueger, Tron, Chucky, Jurassic Park, King Kong, RoboCop, muchos personajes de videojuegos y habiendo carreras no podian faltar el Batimovil, el Mach 5 de meteoro y el DeLorean de Volver al Futuro que maneja el protagonista; ah, por si fuera poco hay un objeto para viajar en el tiempo llamado Cubo Zemeckis.

Pero lo más notable de todas esas presencias es la gran secuencia que se da en el hotel de “El Resplandor” (1980, Stanley Kubrick), con muchos de sus momentos memorables, obviamente, bien integrados a nuestra historia futurista.

Y hasta llegamos, perdón si me entusiasmé con los 80 y la cultura Pop, pero cuando el talento esta al servició del entretenimiento y bien usado, pasan estas cosas. Ah, “Ready Player One” esta buena, se disfruta mucho.

La Serie de Papel

Sobre gustos no hay nada escrito (decía la vieja chupándose los mocos), y que bueno que sea así, no lo de los mocos, sino que haya pluralidad de gustos y caminos a recorrer, porque la variedad también hace a la exploración y creatividad, y saben que? porque la variedad nos renueva y la renovación (creo) hace bien.
"La Casa de Papel" es un éxito... exitazo, y no vamos a discutir ahora que es ser exitoso, la cosa es que la vio y disfrutó mucha gente, hasta ahí todo bien, el asunto es que las situaciones son tan poco creíbles, los personajes tan tontos y los diálogos tan artificiales que amerita tratar de entender que es lo que gustó tanto.

Si, los gustos se pueden discutir, y difícilmente alguien pueda tener la razón, pero cuando se trata de analizar un relato hay algunas herramientas y criterios que nos dan la posibilidad de conocer y hasta evaluar la calidad de determinados trabajos.

Partiendo desde el guión, la idea original es seductora, "el gran robo del siglo" siempre ha funcionado y este tiene algunos detalles que hasta lo hacen diferente.
El asunto es cuando vemos su desarrollo y la credibilidad de lo que va pasando, ya de arranque se hace dificil creer que una mente tan brillante (como la que nos presentan del organizador del atraco) puede armar una banda con personajes de esos que "los mandas a espiar y mueven la rama", porque así funcionan, como diría mi abuela "a cada paso una cagada". Y esa misma liviandad de tratamiento se siente en la poca credibilidad al ver las relaciones de parejas y ni hablar de los tiroteos, ni en las series de los años 70 se pifiaban tantos tiros!

Y por si todo esto fuera poco los diálogos son muy poco creíbles. Notable, y para mal, mucho mas teniendo en cuenta que son cosas que se resuelven con mas trabajo de guión.

Pero como solemos decir, las series y las películas, ademas de todo, son productos hechos para consumir, y esta serie en lo que hace al consumo fué (y es) un acierto mayúsculo. Si bien dividió como pocas las aguas entre los fans y los detractores, nadie podría discutir que desde hace tiempo es materia de charla en muchos lugares y hasta se habla de que van a sumar una tercer temporada. Esta muy bien, si se la hizo para facturar y se puede facturar mas, porque no?

No es un policial, tampoco una comedia, la hubiera definido como tonta o inocente, pero escuché una palabra por ahí que me clarificó todo... infantil. Si, infantil, creo que esa es la palabra, "La Casa..." es una serie infantil en varios de sus enfoques, y quizás esa sea la razón del éxito, porque a fin de cuentas todos seguimos disfrutando de esas cosas básicas que nos hacían felices de niños.

Historias tan incomodas como interesantes (pero casi imprescindibles)

Una te va a romper el corazón a los 15 minutos, pero no vas a querer dejar de verla, la otra, lenta pero atrapante,  de a poco te va a ir perturbando.... hasta sacudirte con una revelación tan increíble como dolorosa.
Vos dirás ¿Porque o para que voy a ver eso? porque son dos muy buenas películas, y yo al menos creo que el buen cine y las buenas historias valen una mirada mas allá del genero y el tema en cuestión.
Si bien la base de ambas son los infinitos modelos de relaciones humanas y sus dramas, las dos tienen a la guerra y su idiotez como marco disparador, eso si, en estos casos las batallas estan dentro de las personas y no necesariamente con armas de fuego.

Se trata de "Incendies"  (2010) dirigida por Denis Villeneueve y "Zvizdan" (o Bajo el Sol/The High Sun) (2105) de Dalibor Matanic, de origen bien distinto pero con mucho en común a la hora de comprometerse a contar con mucha profundidad que les pasa a sus protagonistas.

Denis Villenueve, Canadiense, nos tiene acostumbrados a relatos que suelen poner el ojo en las conductas, tanto individuales como sociales, donde las mundos internos de sus personajes tienen tanto peso como el relato en cuestión. "Polytecnique" (2009), "Prisioneros" (2013) y "Arrival" (2016) son tres muy buenos ejemplos de sus inquietudes, aunque creo que Incendies quizas es su punto mas alto y una bisagra en su filmografía que se ha mantenido en un muy alto nivel.

Basada en una obra teatral de Wajdi Mouawad, adaptada con una puesta que parecería de una historia nacida para el cine, Trata sobre los descubrimientos sucesivos que hacen dos hermanos en base a una carta y un pedido que les deja su madre al morir, una madre se silencios muy profundos que guardan secretos de mucho dolor. La cadena de vínculos e historias no te van a dejar de sorprender y conmocionar, en un relato con el marco de una de las tantas guerras de Oriente Medio. Quizás una de las pelis mas duras y creativas que podes llegar a ver, pero a mi gusto lo vale.

Bajo el Sol, cuenta 3 historias de relación entre mujeres serbias y hombres croatas, antes y después de la irracional guerra de los Balcanes, que no solo enfrentó pueblos, sino también lo hizo con amigos y familias cercanas, una guerra que destruyó hasta los vínculos mas profundos. 1991, 2001 y 2011 son los años de los relatos, en todos los casos las mujeres y los hombres representados por los mismos actores (no vayan a confundirse pensando que son los mismos y pasó el tiempo). Y como es de esperar, se trata de situaciones donde el dolor da espacio a conductas difíciles de describir, donde es bastante mas fácil reconstruir una casa que la alegría de vivir y donde una relación que podria ser natural se transformó en un amor prohibido.

Como redimiendo parte de sus historias, se trata de una coproduccion entre Serbia, Croacia y Eslovania, fué presentada en el festival de Cannes de 2015 donde recibió el premio del Jurado. Es a mi juicio una muy interesante historia de guerra, donde hay (literalmente) un solo disparo y cicatrices que no se si tienen cura.